「複数の遠近法」で世界を観測する。 / アーティスト・浦川大志が考える風景

# 風景とはどのようなもの？
「自分と外部の関係性の中で、常に立ちあらわれるもの」

風景とは自分と外部の関係性の中で、常に立ちあらわれるものだと思います。たとえば、一般に思い描く風景は、大地や青空があり、木や人がいて、まさに窓から見た世界という感じがありますよね。でも風景ってそれだけではないと思っていて。たとえばスマートフォンが表示する画面だってひとつの風景だと言えます。そう考えると、風景画というのは、「ただ目の前の光景」という、自分と世界との関係性がまずあって、その世界を観測する方法をどのように図式化するか、考えていったものだと思うんです。

とはいえ、絵を描き始めた当初は、環境に左右されていたこともあり、確立した自己というか、アイデンティティみたいなものを過剰に意識しつつも、自己が未成熟なので、何を表現したいのかいまいち掴めていませんでした。それでも高校時代から風景をテーマに据えていたのは、自分自身と外部の関係性に対して、感覚的に思うところがあったのだと思います。その感覚が今の作風や価値観につながっているので、当時の迷走も意味があったのかもしれないですね。

いまの時代って、ある意味ではアイデンティティや自我が、過剰に肥大化させられてしまう環境だと思います。それはSNSや学校教育など、さまざまな背景があるとも考えていて、個人的にはその環境が少し生きづらく感じています。常に何者かであることを要請されると感じる状況はストレスフルだなと。そこで、その環境から距離を置いて世界について考えるためにも風景画が重要になってくるのではないかと考えました。自分がどこにいるのかわからなくなる状況が現代社会で多く存在するならば、自分自身の立ち位置を把握するためにそれぞれの風景を獲得しないといけない。ここで話している風景は一種の比喩であり、現実の風景ではありません。自分と、ある対象との関係性や距離感、価値などを何が近くにあり、何が遠くにあるのか、そのマッピングのことを話しています。同時に、そもそも自分自身が見ている風景だっていくつもあるはずです。会社員としての自分、家族といるときの自分、一人でいるときの自分というように、自己は使い分けられている。そして、それらをひとつに統合するのは不可能だと考えています。当たり前ですが、同じものごとでも自分自身の立場によって大切だったりそうでなかったりするでしょう。僕はこれを「複数の遠近法」と表現していて、立場によってバラバラに存在する尺度や距離感をひとつの絵画空間に落とし込むことで「あべこべ」の風景画を制作しています。そういった感覚で制作された風景こそ、今の時代の実感に近いのではないかと考えています。

# どんな作品の考え方・アプローチをしている？
「展示はある意味で一方向的なコミュニケーションになってしまう。そこから脱出できないか」

横浜美術館の大規模改修工事にあたり、仮囲いのために描いた壁画作品《掲示：智能手机ヨリ横浜仮囲之図》（2022）では、「ある種の不真面目さを、真面目に引き受けてみる」ということを目指しました。

横浜美術館の周辺は、商業や観光の盛んなエリアなうえ、クリスマスシーズンはライトアップされてカップルやファミリーが写真を撮ったり子どもたちが遊んだりする様子が見られます。制作にあたっては、風景に溶け込みすぎず、それでいて阻害しすぎない作品にしたいと漠然と考えていました。

そこでまず、土地の歴史を調べたのですが、僕自身も横浜で生まれ育ったわけではないため、その土地の歴史の表層を掠め取って作品を作ることに違和感がありました。そんな中、横浜の該当エリアが埋立地でできていて、美術館の周りに建てられている仮設壁という要素が、「軽薄さ」という点でつながっている気がしたんです。そこで、僕自身が軽薄な観光客となって絵を描いてみようと思いました。

この数枚からなる作品は、左から右の絵に向かうにつれ、雲の上の視点から徐々に地上に降りていき、最終的には海中になるという流れで、その途中ではさまざまな「横浜的」なモチーフを取り入れています。

特に軽薄さを表現したものでいうと中華街ですね。中華街って舞台の背景に使われる書割と呼ばれる大道具のようであり、テーマパークのアトラクションのような感じだなと思っていて。現実世界を再現するためにあらゆる部分のディテールが細かく設定されているせいで、リアリティが過剰に演出されるみたいな。その嘘っぽさが中華街にも感じられると思い、盛り込みました。

また、絵全体はプリントしたものを掲示していますが、この作品のQRコードの部分は、その上から手描きしています。ここに描かれているQRコードは、能動的に読み取っても無意味な情報しか得られないのですが、ただの背景として映り込んだときも、カメラが勝手にQRコードを認識して一旦アラートが出てしまいます。偶然飛び出してくるみたいな、悪意というか悪戯心みたいなものとして作品に取り込みました。

美術展では、多くの人がカメラで作品を撮ってはSNSにアップして、作品を消費していきます。今回観光客というある種不誠実に思える態度で作品を制作しているため、鑑賞者がそのある種の軽薄さを自覚する瞬間を作りたいと思い、その行動をメタ的に捉えることができるように、QRコードを描くことで、語りかけないものが語りかけてくるという仕掛けを作りました。

この作品は、写真をSNS上へアップしたとしても、SNS上では「一旦アラートが出る」といった干渉は起きず、実際にその場所に行き、能動的にカメラを向けた人だけがその侵入を受け入れざるを得ない状況になります。絵画の展示というのは、ある意味で一方向的なコミュニケーションになりやすいものなので、そこからの脱出を絵画の方から投げかけてみるということをしてみました。その結果、自分が肉眼で見ている風景とスマートフォン越しに見ている風景がいかに違っているか、ということも感じられる作品になりました。

# ARToVILLA MARKET来場者へ
「一つの結果に向かっていく。それは真の正解なのでしょうか？」

最近制作している作品ですと、16:9比率のキャンバスを8枚使った作品なのですが、とても特殊な作り方をしています。1枚目を2割くらい進めたら、それをスマートフォンで撮影し同サイズでキャンバスプリントをします。そしてプリントしたものを別のパネルに貼って、同時並行で加筆していく。その2枚が4割くらいまで進んだら、また写真を撮ってキャンバスプリントする。それを繰り返すと似たような作品が8枚できあがるわけです。

絵画制作というのは、初めから終わりまで一貫していて、基本的には一つの結果に向かっていく。けれどもそれは、真の正解なのでしょうか？ そこで、世界線を移動し、分岐した可能性の絵画を実現できないかなと考えました。僕の作品を説明するとき、最近は「複数の遠近法」という言葉を使いますが、この作品は、その遠近法の問題を、絵画それ自身で表現してみたものです。

今回ARToVILLA MARKETに出展する作品は、そういった事を考えながら、単一画面の中で、複数の視点を入れ込もうと制作した作品です。個人的には色々と考えたり説明したい事も多くありますが、そういったこととは関係なく、絵がそこにあるだけで勇気づけられるというか、自分の中で何かが切り替わることがあるんじゃないかなと。僕自身、漠然とした不安を抱えているときに、菊畑茂久馬の作品を見て勇気づけられ、転換点のひとつにもなったので、そういうものとして自分の作品が存在するのであれば、とてもうれしいですね。