【後編】世界の成り立ちを意識するために、アートが出来ることは？ / 連載「作家のB面」Vol.9 加藤泉

つなぎ目は、彫刻を構成する一つの情報として

――今までにもさまざまな素材を扱われてきたと思うのですが、作り手の意図で自在に形に変容させられる木や石に対し、既製品であるプラモデル単体では一定の完成形が明確に存在すると前編でもお話しされていました。それらをどのように“寄生”させ、作品としているのでしょうか？

作品に組み合わせるのはほとんどが動物のプラモデルです。美術作品で扱うテーマとして、日頃誰もが見慣れている「人間」に対しては見る側の評価も厳しいのですが、「動物」はハードルが低いといいますか、おそらく誰が作ってもある程度は可愛く作ることができると思います。プラモデルの制作自体は僕でなくてもできると思っているので全てアシスタントに任せていますが、一方でいわゆるプラモデルの作り方には則らない変な作り方をしています。たとえばパーツごとのつなぎ目は消して綺麗に整えるのが一般的ですが、僕の作品ではつなぎ目を残すことでどこで分割されているのか、溶接の跡のように強調して残しています。

――つなぎ目をあえて見せるということは、今回のプラモデル作品に限ったことではないのでしょうか？　制作過程を見えるように残すと、通常作品の世界観以上に作り手の存在感や手作り感が強くなりがちですが、加藤さんの作品をみるとある種フォルムとしてスッと腑に落ちるのが不思議だなと。

彫刻も結局、重量を軽くするために中身をくり抜いているんですが、切った跡はふつうの木彫家って目立たないように綺麗に直すんですよ。僕はそういった手術の後は切りっぱなし。ジョイントもわからないようにするのが一般的ですが、ここで繋いでいますとわかることが良いと思っているので、そのままにしています。とくに接着剤が不要でパチパチって組めてしまう今のプラモデルに比べ、ヴィンテージプラモデルは接着剤を使って組み立てるタイプ。ペンチを使ってパーツをぱちっと切ると断面が白くなり、視覚的にも固いものであるという質感が一眼でわかるし、成形色が鮮やかなのであえて着色しないようにしています。あの切りっぱなしの部分はその作品に必要で、ないとダメなんです。

更新されながら、世界は組み合わせでできている

――会場の壁面にも実物大の写真が貼られている全長7メートルの作品、フランスのノルマンディー地方、ル・アーヴル市の屋外で展示されている巨大なブロンズの彫刻作品《Untitled》は、元々木彫作品として作られたものだと聞きました。プラモデルの作品とスケールは異なりますが、素材や設置環境がコントロールができない状況において、実際に作品はどのように制作されたのでしょうか。

あの作品はル・アーヴルで行われる都市型芸術文化政策の一環として、芸術監督のジャン・ブレイズ氏に声をかけてもらい、コミッションワークとして制作したものです。もともとは19世紀に建てられた聖ヴァンサン＝ド＝ポール教会前広場のために、6メートルから7メートルほどで木彫作品を作ってほしいと頼まれたのですが、屋外に展示する作品でその規模の木彫作品を作ることは現実的ではありません。どうすれば良いだろうと考えて1メートルほどの模型を作ったら、それを拡大したブロンズ像を作れると言われたので、１メートルの木彫を作りました。作品の着彩は人に頼めないので、僕が色を塗るということを条件に、ドイツの工場で７mのブロンズ像に着彩して彫刻を完成させ、それをフランスに運び設置しました。設置場所が教会の前のパティオで、木々に囲まれた場所だったのですが、もう一つ先方の条件として伝えられていたのが、大きいけれど目立ちすぎず、その環境に馴染むようにしてほしいということ。そこで結果的に迷彩柄をイメージしたペインティングにしたんですが、実際に存在感はあるけれど、不思議とあまり目立たない。おそらく真っ白な彫刻だったらモニュメンタルでどーんとしてしまったと思うのですが、迷彩柄とはよくいったもので、冬に木が枯れたら目立つくらいで、環境に馴染むようによくできているんですね。

制作工程としては、立体に色を塗るというよりも絵画を描くのと同じ。計画してスケッチの通りに塗っていくのではなくて、ここを塗ったらここを塗ると移動しながら色を置いていくような感覚で制作しました。後で気がついたことですが、ちょうど設置された場所がクロード・モネの生まれたまちで、印象派に対するオマージュでもありますね。

――展示会場の構成もそうかなと思うのですが、コラージュ的というか、環境の中に紛れていて、ふだんは隣り合わないものたちが組み合わせられているけれど、組み合わせられるルールがあまり見たことがないような配列になっているなと感じます。

たとえば世界には石もあれば水も火も土もあり、人間の体だって骨や肉だったり細菌だったりいろいろなものが組み合わさってできている。それは至って普通のことなんですが、ふだんはあまり意識もしなければそういう世界の成り立ちに気がつくことがないですよね。そこに目を向けてもらい確認してもらうことも作品にできることなのではないかと思っています。それも美術の良いところかなと。

――さまざまなもので構成されている世界において、加藤さんが「人がた」というモチーフに向き合い続けている理由はなんなのでしょうか？

ずっと取り組んでいるように見えるかもしれないですが、僕としてはそんなに時間が長く経っている感じはなくて、ずっと細かく「人がた」をモデルチェンジしたり更新していたら、結果10年、20年経っていたという感覚。先ほどのソフビではないですが、やりようがなくなれば、「人がた」を描くこともやめると思います。より良い作品が他のものでできるのであれば、別に「人がた」である必要はない。たまたま続いてしまっているというか、「人がた」だけ残っているというか。前はお花をつけて描いてみたりもしていたんですが、知らないうちになくなっていて。いろいろな枝葉は伸びるんですが、僕の作品を樹に喩えるとすごく大きな樹に育っている感覚ではないんです。半分も育っているのかな？　もっといけるんじゃないかなという感じですね。

――今回、プラモデルを制作している神藤政勝さん（株式会社ゴモラキック 代表）と作品を作られたり、他方、音楽のバンド「THE TETORAPOTZ」としても活動されています。作家として一人で作品制作をするだけではなく、コラボレーションする形で活動されているのはどのような感覚なのでしょうか？

音楽は完全に趣味ですね。大学のときまでドラムをやっていて、卒業してからはスパッとやめていたんですが、5年前くらいにバンドを始めました。身体を使うので気持ち良いですし、作家としての活動では作品が見られているだけで僕らが見られているわけではないので、ライブでお客さんが目の前にいるという状態も新鮮なんですよね。アートの場合は僕らが「イエイ!」と言っても、お客さんは「イエイ！」なんて言わないから、ちょっと寂しいなと思ったりしますけど。そういう感覚も面白いんですよね。絵は一人で描くのに対して、音楽は何人かで作るのが良いんだと思います。ずっと一人で絵を描いているので、たまに人と何かやらないと病気みたいになってしまう。息抜きにもなっていますし、絵などのストイックな仕事では補えないエネルギーはそちらに流していかないと。僕、なぜかエネルギーがあるので、なにか悪いことをしてしまいそうで。ふだんは出涸らし状態にするようにしています（笑）。

――個人的にはプラモデルの形に落とし込まれた作品の今後の展開が気になります。今後の作品制作について考えられていることはありますか？

いま第二弾を作ることまでは決まっているんです。一度に出さず、第一弾、第二弾と順番に発売するのがプラモデルの流儀。《オリジナル・プラスチックモデル》はエディションをつけて作品として販売する予定です。展示してある箱の側面にもシリーズ予告の絵を描いていますが、第二弾は展示している作品の女の子バージョン。石は同じものを使い、パッケージとシールが女の子仕様になります。型を作ったので第三弾くらいまではいこうかなと。その先はイメージが湧かなければ作れないので、飽きたなと思ったところが終わりなんじゃないかなと。ワクワクしなくなるとモチベーションがなくなるんです。そうするとやめた方がいい。絵と同じですね。今回、神藤政勝さん（株式会社ゴモラキック・代表取締役社長）とコラボレーションしていますが、いつも、本当にたまたま知り合った人としか仕事をしていないんです。自分で調べて一緒に仕事しようとはたらきかけることが不自然だなと感じるので、自然な流れでできたらなと思っていますね。