美術館は変わり続けている？ / 連載「和田彩花のHow to become the DOORS」Vol.10

「いま・ここ」を分かち合える参加型アート

和田：やはり絵画や彫刻のように一方的に見て感じて終わりなのではなく、時間や体験を共有することが参加型の作品の醍醐味なのでしょうか？

難波：まさにおっしゃる通りです。場作りとしての参加型アートは、背景が異なる一人ひとりの体験をシェアしながら、日々の生活では気づかなかったような新しい発見をもたらしてくれます。最初は美術館の外でしか行われなかったような実験的な表現も、今では美術館の中でも展開されるようになっています。

和田：ずっと権威主義・商業主義的だった美術館が、取引も展示もやりづらい作品を迎え入れるようになったのはなぜなのでしょうか？

難波：いろんな理由がありますが、一番大きい理由は、東西冷戦が終わりベルリンの壁が崩壊したことだと思います。1989年にベルリンの壁が崩壊し、資本主義などの絶対的な体制や、それまで人々が信じてきた価値観が一気に崩れる中で、美術館自体も社会に開かれた場所を目指すようになっていきました。またアーティストの側も大きな権力に争うような体制批判ではなくて、自らの日常に寄り添った事象を作品に反映したり、人々の参加を促すような表現活動にシフトしていきました。美術館側の思いと、美術館の外で活動していたアーティストの思いが、二つ巴のように交わっていったんです。

和田：最初は美術館への反抗として、美術館の外で行われていたパフォーマンスやインスタレーション、参加型アートが、結果的に美術館の中と外を繋ぐことになったんですね。

一方で、先ほど例にあがったゴードン・マッタ=クラークの建築の作品などは、美術館内での展示となると、エネルギッシュで型破りなオーラの再現が難しそうです。個人的には、昨年森美術館で開催されたChim↑Pomの回顧展の記録写真を見たときにも、パフォーマンスやインスタレーションなど一過性の強い作品の再現の難しさを感じました。

難波：そうですね。美術館側も、Chim↑Pomのように既存の枠をはみ出すことを重要としているアーティストを美術館で扱う矛盾については、自問自答を繰り返してきたと思います。どうすればChim↑Pomのようなアーティストが、美術館という場所性を逆手にとって活用できるのか、すごく考えたのではないでしょうか。

和田：ごちゃごちゃとした新宿・歌舞伎町を舞台にした作品が六本木の森美術館で展示されるという企画自体はとても面白かったですが、リアルタイムでChim↑Pomの作品を見てきたファンとしては、美術館の中に展示するのはあくまでも再現にとどまるということに気付かされました。一過性が強い作品などは、美術館展示の際に、その背景にあるジレンマや調整のプロセスを想像するのも面白いですね。

アートを通じた新しい対話、人とのかかわり

和田：アーティストというと、漠然とアトリエに籠って黙々と制作しているようなイメージがありましたが、今日の難波さんのお話を通じて、アーティストも交流の場を求めていることがわかり、少し身近に感じられて嬉しいです。私も普段アートやフェミニズムについて学び合うコミュニティでお話をしたり、イベントに参加することがあり、そのたびに家族や友達とはまた別のところで繋がることの温かさを感じています。

難波：それはよかったです！ 和田さんが参加されているようなプロジェクトのようにジェンダーやフェミニズムといった社会課題をアートやディスカッションを通じて考えるような取り組みは、近年、「ソーシャリー・エンゲイジド・アート（SEA）」という一種の参加型アートの手法として、盛んに取り入れられています。2000年代以降のアートは、人類学や医学、科学など、異なる分野と領域横断的にコラボレーションする動きが一つのトレンドになっているんですよ。

和田：なるほど！ 参加型アートというと、チームラボなどのインタラクティブなメディアアートのイメージが強いですが、今までになかった新しいコミュニティを作っていくのも、また別の参加型アートなんですね。

難波：様々な参加型アートや、その展示のプロセスにも興味を持っていただけたということで、次回は過去に私がキュレーションした参加型・体感型アートの展覧会「こどものにわ」についてお話ししていきたいと思います。

和田：ありがとうございます。次回も楽しみにしています！